Por que a fotografia “pura” substituiu o pictoralismo tão completamente?

Originalmente, os primeiros fotógrafos estavam mais preocupados com a ciência e a tecnologia da fotografia do que com a arte, e os resultados foram em grande parte assuntos secos de apontar e disparar.

Isso mudou rapidamente, e um dos primeiros movimentos importantes foi o pictorialismo fotográfico , representado por grupos como a Foto-Secessão . A idéia geral desse movimento de que as fotografias se tornam arte pelo ato intencional da criação do fotógrafo, em vez de simplesmente representar o que está diante das lentes. Isso geralmente envolve preparação cuidadosa e foto-manipulação.

Esse movimento foi efetivamente esmagado pela fotografia Straight , como defendida por Ansel Adams, os Westons e amigos; a idéia básica é simplesmente que uma fotografia "pura" possa ser considerada arte por seus próprios méritos; que gravar o que estava na frente das lentes com habilidade técnica (incluindo, é claro, composição e tempo) é a verdadeira chave da fotografia como forma de arte.

Essa ideia teve muito sucesso e o movimento pictoralista morreu como tal na primeira metade do século XX. Os fotógrafos diretos foram tão bem-sucedidos em transmitir sua mensagem que os pictoralistas se tornaram irrelevantes? Foi o momento histórico do século 20? Ou alguma outra coisa?

Agora, na era digital, com todos os fotógrafos e habilidades técnicas niveladas por excelentes modos automáticos, a mensagem do movimento pictoralista ressoa novamente? Ou, inversamente, a facilidade com que o software transforma fotografias em "arte digital" manipulada significa que a visão pura para a fotografia direta é mais importante para a fotografia como uma forma de arte separada?

Então, estamos todos na mesma página, aqui está uma definição de pictorialismo :

Normalmente, uma fotografia pictórica parece não ter um foco nítido, é impressa em uma ou mais cores que não sejam em preto e branco (variando de marrom quente a azul profundo) e pode ter pinceladas visíveis ou outra manipulação da superfície. Para o pictorialista, uma fotografia, como uma pintura, desenho ou gravura, era uma maneira de projetar uma intenção emocional no reino da imaginação do espectador.

Um exemplo:

A tigela preta, 1907. George Seeley. Fonte

Minha opinião: uma nova tecnologia, um novo meio de contar histórias, tenta obter aceitação imitando algo mais que já existe, neste caso as pinturas. Em algum momento, o novo meio é aceito e não precisa mais imitar ninguém.

Acho que não precisamos de mais do que isso para explicar a ascensão do pictorialismo ("veja, podemos fazer uma foto parecer quase uma pintura"), bem como a queda ("não se preocupe, vamos nos concentrar no que a fotografia pode fazer isso" a pintura não pode ").

Poderia até explicar por que a pintura ficou abstrata em legítima defesa :)

Wikipedia sobre arte abstrata :

A arte ocidental foi, desde o Renascimento até meados do século 19, sustentada pela lógica da perspectiva e uma tentativa de reproduzir uma ilusão da realidade visível.

Indiscutivelmente, as habilidades de reproduzir perspectiva e realidade à mão se tornaram menos valiosas quando os fotógrafos puderam fazê-lo melhor simplesmente com o clique de um botão. Assim, a pintura defendeu seu território, enfatizando o aspecto "reproduzir a realidade" e aumentando o aspecto "interpretação artística", através do impressionismo, expressionismo, cubismo etc.

Inicialmente, a fotografia tentou seguir, já que a pintura ainda era o rei da colina do mundo da arte. Foi aí que entrou o pictorialismo.

A Wikipedia descreve a fotografia direta como um movimento estético que se estende entre as décadas de 1880 e 1970. Na década de 1930, foi definido como

A fotografia pura é definida como não possuindo qualidades de técnica, composição ou idéia, derivadas de qualquer outra forma de arte.

Portanto, a fotografia direta pode ser descrita como o movimento de independência da fotografia, essencialmente alegando que a fotografia é uma ilha, inteira em si mesma, e não precisa de nenhuma influência fedorenta de outras formas de arte.
Eu acho que o sucesso foi parte da percepção de que perseguir a pintura era um tanto inútil, especialmente quando a pintura recuava para um terreno mais alto (mais abstrato); parte da percepção de que havia muito território inexplorado na fotografia básica; parte que destaca um território doméstico defensável com base nos pontos fortes da fotografia em comparação com a pintura. E, é claro, direto da câmera é muito menos trabalhoso do que manipulação pesada, especialmente considerando as ferramentas da época.

Na era digital, acho que não há muita ressonância com a mensagem pictórica enquanto tal. Os pictorialistas estavam tentando fazer "podemos parecer uma pintura, se quisermos", numa época em que a pintura era o auge do empreendimento artístico.

Na era digital, a fotografia já é aceita e provou sua independência, e há gêneros de pintura em que a influência segue na direção oposta, como o fotorrealismo na década de 1960 e o hiperrealismo na década de 2000 .

Na era digital, um fotógrafo artístico provavelmente desejará fazer algo diferente do passado, assim como um pintor contemporâneo provavelmente não tentará imitar a pintura do século XIX. Não há muita glória em copiar Ansel Adams 50 anos depois. Os fotógrafos de hoje têm ferramentas para fazer coisas que Ansel Adams não poderia fazer, e seria tolo não usá-las.

No futuro, espero que a fotografia empreste fortemente de, e possivelmente se misture com, formas de arte como filmes, vídeo e gráficos de computador. É uma evolução natural: se aceitarmos a fotografia como narrativa, mais ferramentas para contar uma história da maneira que queremos que ela seja contada só podem ser uma melhoria.

Eu acho que é importante reconhecer que não há nada de especial na fotografia direta: foi um movimento estilístico específico com grande impacto histórico, mas não há nada que diga que é a única maneira de fazer fotografia. Compare com a pintura, que teve centenas de movimentos estilísticos ao longo dos tempos, cada um entrando e saindo de moda à medida que a tecnologia, a sociedade e os gostos mudam. Não é uma questão de mais ou menos certo, apenas uma questão de mais ou menos moda em um determinado lugar em um determinado momento.

Nada disso invalida a fotografia direta, assim como a arte abstrata ou a fantasia invalida o realismo. São simplesmente formas diferentes de expressão, gêneros diferentes e podem muito bem coexistir pacificamente.

Vamos resolver a questão principal desde o início: a idéia de que "fotografia direta" (o que quer que isso signifique) é o único uso legítimo para as ferramentas de fotografia é tão boba e míope quanto a ideia de que o expressionismo abstrato é o único uso artístico legítimo da tinta. Ambos elevam mero meio ao status de Arte e reivindicam exclusividade sobre esse meio. O expressionismo abstrato dá à pintura e seu método de aplicação primazia sobre todo o resto; A "fotografia direta" revela a ideia de que há quase 200 anos a humanidade descobriu uma maneira de tornar as sombras mais ou menos permanentes. Negócio grande e peludo na época. A novidade já deveria ter acabado.

Toda arte é narrativa. E sabe de uma coisa? Às vezes, a história pode ser tão simples como "eu vi isso e me comoveu muito". Ou até "isso existia". Não há nada de fundamentalmente errado com uma ode à cor vermelha, uma expressão de quão grande ou complexa pode ser a natureza, ou simplesmente consertando uma lembrança de como sua filha tinha seis anos. Mas o documentário é apenas um uso rudimentar da linguagem da fotografia, e essa linguagem progrediu de pidgin para crioulo. Existe um vocabulário muito maior disponível agora do que nunca, e a gramática nos oferece muito mais do que um tempo presente telegráfico e contextualizado. Podemos escrever poemas, escrever romances e explorar "e se" - então, por que nos limitarmos ao jornalismo escrito com maestria?

A encarnação original do pictorialismo (e seus descendentes no mundo baseado na prata) foi dificultada de várias maneiras. As dificuldades técnicas envolvidas na criação de algo que nunca existiram são superficialmente óbvias para a maioria das pessoas hoje em dia (até que você tenha passado algum tempo trabalhando com lápis afiados, um pincel de zibelina 6-0 ou um aerógrafo Pasche Turbo sob uma lupa, você nenhuma idéia), e o ato de compor os elementos era quase simples quando comparado ao ato de capturá-los. A maior parte do que foi produzido foi tecnicamente ruim, e a única razão pela qual grande parte disso chamou atenção foi por causa do desconhecimento das pessoas sobre o meio: elas simplesmente não sabiam "ler" uma fotografia. (Você pode imaginar alguém hoje apaixonado pelas Fadas de Cottingley ou pelo ectoplasma?) Para fazê-lo da maneira correta, foram necessários cenários, figurinos, iluminação cooperativa, enormes quantidades de trabalho tedioso de pós-produção (sem erros) e permanecer em grande parte dentro do reino do que era fisicamente possível (poses que poderiam ser realizadas para alguns segundos, etc.). Como tal, preocupava-se principalmente com "arte séria" e "grandes idéias", mas tinha o vocabulário de um pidgin e uma gramática que se baseavam principalmente em alusões (como o tamariano do episódio de Star Trek TNG, Darmok) Se você não soubesse o que os figurinos e a assembléia significavam como ícones e não reconhecesse a pintura de fundo como, digamos, os Campos Elísios, então você só poderia julgar o trabalho por seu próprio mérito estético - a mensagem subjacente foi perdida . Era como olhar para a pintura medieval primitiva sem conhecer a iconografia do gesto ou que aquela águia ali é São João Evangelista.

Bem, muito mais que humanos e cavalos morreram na Primeira Guerra Mundial. A sabedoria dos anciãos, os clássicos (sobre os quais foram amamentados os burros que levaram os leões à morte), os próprios deuses pereceram na lama do Não. Terra do homem. O significado perdeu seu significado¹, e começamos a explorar a própria natureza do significado no Dada, no Surrealismo, na semiótica e em todas as outras vias de abordagem que eventualmente se fundiram no pós-modernismo. O mundo voltou-se para o imediato, o agora, com a sensação de que o passado não fazia mais sentido e que o amanhã pode nunca chegar. Onde a natureza durou, o romantismo voltou às suas raízes com uma nova urgência: a natureza era o eterno que tínhamos o poder de terminar; nós éramos responsáveis ​​por sua salvação porque, de outra forma, seria sua morte e precisávamos aprender a mantê-la admirada. (E não se engane, Ansel Adams não era realista clínico; tudo o que ele fez recusou e exagerou a fim de expressar sua admiração, da mesma maneira que seu piano sofria de um excesso de dinâmica e rubati. Ele era um romântico sem esperança.)

Muito disso coincidiu com avanços significativos na tecnologia. Os projetos práticos de Gauss duplo substituíram amplamente as lentes Petzval e, ainda mais tarde, os designs transformaram as capacidades da câmera; placas e filmes que eram razoavelmente sensíveis, razoavelmente capazes de reter detalhes e surgiram orto- cromáticos ou panchromáticos de ampla gama. Não apenas você poderia tirar uma foto que era "real" e "agora", mas ficou muito mais difícil criar uma farsa convincente. O trabalho mostraria e seria óbvio. Com esforço suficiente, você poderia construir o "impossível" como um conjunto e ficar com o que era, na época, o retoque mínimo ( Dali Atomicusvem à mente), ou você pode tentar uma montagem (que geralmente parece mais uma pintura do que uma fotografia; acho expressões "puramente fotográficas" do conceito, como o trabalho de Jerry Uelsmann, absolutamente pouco convincente na maioria das vezes). Ainda assim, uma certa quantidade de mentiras, ou alguma habilidade de contar histórias misturada com a reportagem, sempre foi uma coisa boa. Há uma razão pela qual todo mundo conhece Ansel Adams e Edward Weston, mas poucos ouviram falar de Minor White (que poderia esfregar o chão com um deles como operador de câmera e técnico de câmara escura).

Não obstante a legitimidade da "fotografia direta", agora temos as ferramentas à nossa disposição para contar diferentes tipos de histórias de uma maneira verdadeiramente convincente. Algumas dessas histórias são fantasia, mito ou ficção científica; alguns exploram os "por que não" e não o "por que". Realmente precisamos construir conjuntos vastos ou transportar nossos súditos (e um caminhão cheio de equipamentos) para um local, esperando uma confluência da luz certa, do clima certo e da lua em Capricórnio, a fim de tornar a expressão legítima? Ou é meramente ilegítimo usar o realismo da reprodução fotográfica dos vários elementos que poderiam ser fotografados para expressar essa história?

Não deixe que 90% das tentativas sejam ruins. Isso é apenas a Lei de Esturjão em ação. (Francamente, acho que o velho Theodore estava sendo um pouco generoso por lá.) Pelo menos 90% da "fotografia direta" (e eu quero dizer "fotografia direta séria") também é uma porcaria, e o digital mais "P for Professional" não é. não está ajudando lá. Portanto, a porcaria está em foco e bem exposta (por algum valor de bem exposta). Histórias bem contadas ainda se destacam; a poesia elegante ainda ressoa mais profunda do que um limerick vagamente desobediente. O trabalho de Jamie Baldridge é mais perturbador e instigante como fotografias trabalhadas do que jamais seria como uma pintura; As tranquilas contemplações de John Paul Caponigro sussurram mais suavemente, mas com mais enunciação.

No final, as histórias que você escolhe contar são suas. A idéia de que você não pode cunhar uma nova palavra ou frase quando for solicitada ou emprestar uma palavra de outro idioma é uma imposição artificial, imposta externa ou internamente. Ninguém está forçando os historiadores a escrever ficção científica, mas nenhum historiador tem o direito de dizer que a ficção científica é de alguma forma uma expressão ilegítima do pensamento humano.

^{¹ Quão completa foi a morte da alegoria e alusão clássicas? The Waste Land, de TS Eliot, era legível pela maioria de seus colegas e contemporâneos; hoje, as crianças que estudam na escola precisam de notas de rodapé e referências para procurar as alusões bíblicas e mitológicas, e talvez precisem ler livros inteiros para entender o significado.}

Desenvolvimento da fotografia - da ciência à arte

Existem dois tipos de pessoas na fotografia. Quem quer fotografar e quem quer criar arte. Quando a fotografia era jovem, havia apenas as pessoas mencionadas pela primeira vez. Não era no conceito que as fotografias poderiam ser usadas na arte. Até essas pessoas, que também queriam dizer algo, criar arte, acharam a fotografia interessante.

O pictorialismo não tem nada a ver com arte em si. Foi uma tentativa de definir o que é arte na fotografia, numa época em que a fotografia ainda era nova. Mas arte é o que sentimos, não as ferramentas utilizadas, e a fotografia foi em breve (apenas 100 anos) aceita como ferramenta para criar arte, tornando inútil a idéia por trás do pictorialismo. Portanto, a questão é sobre o que mudou na fotografia para torná-la uma ferramenta para a arte.

Ferramenta documental começa a ver beleza

Pense novamente no que era antes da época das câmeras e fotografias. Era o tempo dos pintores, e especialmente dos pintores de retratos. A primeira "guerra" não foi entre fotógrafos, mas entre pintores e fotógrafos. Os pintores viviam dos retratos de pessoas ricas. Foi uma arrecadação de dinheiro para um pintor quando a fotografia começou a participar dos negócios de retratos.

Um dos argumentos dos pintores era que uma fotografia direta não pode melhorar o assunto. Que o pintor é o único capaz de lisonjear o sujeito e fazer com que ele seja lembrado de uma maneira favorável para sempre, pois apenas os pintores podem torcer e transformar imagens como desejarem. A fotografia procurou maneiras de responder a esse desafio, e é assim que vejo esse pictorialismo. Mas os fotógrafos heterossexuais só precisavam aprender a fazer com que seus assuntos parecessem bons, sem manipulação "artística".

Caminho para a fotografia independente adulta

..o movimento pictoralista como tal morreu na primeira metade do século XX. Os fotógrafos diretos foram tão bem-sucedidos em transmitir sua mensagem que os pictoralistas se tornaram irrelevantes?

O pictorialismo era a maneira de aceitar a fotografia como forma de criar arte. Em outras palavras, buscava aceitação com desculpas silenciosas por invadir o bairro da arte com uma ferramenta documental.

Nesse caso, o bairro foi pintado com arte. Uma fotografia é tão próxima de uma pintura como um meio, que era inevitável um efeito "Novo garoto no bloco". Você tem que provar o seu valor. Assim como nas pinturas de retratos e nas fotografias de retratos, em geral é como os pintores dizendo "Você não pode fazer ISSO" e obtendo a resposta do fotógrafo "Sim, eu posso" e segue-se uma demonstração. Isso é pictorialismo, ou melhor, esse é o "porquê" por trás de todo o resto. E há também a resposta para "Por que o pictorialismo morreu tão rapidamente?". Acontece mais cedo ou mais tarde,E o que é isso? É fotografia reta! Uma pura imagem nítida em pixels da realidade. E assim a fotografia se torna um adulto e passa a viver sua própria vida independente, sem mais necessidade de provar nada.

O velho é sempre desafiado pelos jovens

Mas o pictorialismo ainda está aqui hoje? Sim, se pensarmos nos fotógrafos mais jovens que provam seu valor para fotógrafos antigos. Eu não chamaria isso de pictorialismo. As pessoas que apenas fizeram digital frequentemente não conseguem imaginar que dificuldades havia na fotografia em filme. Não faz muito tempo, eram (e ainda são?) Os digitais que precisam provar seu valor aos colegas de cinema. O debate entre o velho e o novo é eterno e o que é agora novo envelhecerá ou perderá o debate e morrerá jovem.

Na fotografia, a palavra-chave é "aprender". A idéia é um pouco parecida com a das perguntas e respostas é difícil, vamos às compras no sentido de que é difícil obter alta habilidade e talento para fazer com que seu assunto pareça bem em fotografia direta, mas razoavelmente fácil ir às compras para obter melhores equipamentos e software poderoso com o qual alterar suas fotografias para preencher a lacuna entre uma foto em bruto e suas expectativas.

O que vem depois, a fotografia?

..a facilidade com que o software transforma fotografias em "arte digital" manipulada significa que a visão pura para a fotografia direta é mais importante para a fotografia como uma forma de arte separada?

Não tenho certeza se eu entendo isso. A fotografia é uma forma de arte, seja ela manipulada e distorcida, ou fotografia simples e direta. O que é arte digital, realmente?

O que eu considero arte digital é algo que obviamente não é apenas uma fotografia, que qualquer pessoa pode vê-la. Pode haver uma fotografia em que o trabalho tenha sido feito, mas ainda seria considerado arte digital em vez de arte fotográfica.

Duas fotos de exemplo:

Isto é uma fotografia . Diretamente do cartão de memória da câmera, não fiz nenhum ajuste. Podemos chamá-lo de fotografia "pura", se não contarmos a mágica que uma câmera digital faz quando extrai as informações de pixel do sensor de imagem.

Próximo:

Isso é arte digital , feita pelo meu filho de 11 anos, que queria me dar uma impressão da fotografia que tirei da irmã de dois anos. Claro que há uma fotografia lá, mas obviamente ela se enquadra na categoria de arte digital.

Apenas a fotografia inalterada é correta?

Onde traçar a linha, exatamente? Existem bons exemplos do poder do pós-processamento nos Bons exemplos das vantagens do RAW sobre o JPEG e, especialmente, uma das respostas com um par de fotos do @EtienneT. Por que a foto ajustada não seria arte fotográfica em vez de arte digital? Para mim, ainda é uma fotografia, mesmo com todos os ajustes feitos.

Não fizemos esse trabalho de ajuste em nossas fotografias desde o início? Confira este vídeo de impressão em preto e branco, onde a garota começa às 9:00 minutos com o "original" e explica o processo de "ajuste" pelos próximos quatro minutos do vídeo. Esse tipo de coisa foi feito para sempre. Somente agora é um software de computador para fazer o trabalho. Afinal, não existe fotografia inalterada.

Fotografia se torna digital

Agora, na era digital, com todos os fotógrafos e habilidades técnicas niveladas por excelentes modos automáticos, a mensagem do movimento pictoralista ressoa novamente?

Boa pergunta. O que é o Velho e o que é o Novo hoje? A fotografia digital é o novo garoto do campo, e tem tentado parecer tão boa quanto a fotografia de filme já foi. Mas, ao mesmo tempo, a fotografia digital também é a Velha. Talvez sejam os fotógrafos antigos que se incomodam com a nova maneira sem esforço (mesmo que não seja desafiadora?) Que os jovens fotógrafos abordam a fotografia. Da mesma forma que os pintores já sentiram sobre a fotografia.

Quando surgem novas formas de criar arte, isso não significa que formas e ferramentas antigas se tornem menos importantes. Este não é um jogo de soma zero.

Eu acho que foi realmente o desenvolvimento da estética fotográfica. O trabalho inicial talvez tenha sido crucial em sua definição, mas foi rapidamente descoberto que a composição e a seleção do assunto têm mais impacto sobre como a imagem conta uma história do que sobre os aspectos mais trabalhosos da manipulação cuidadosa de fotos. Foi simplesmente mais lucrativo em termos de esforço escolher o aspecto certo do que está na frente das lentes do que tentar controlar o desenvolvimento com tanta força. Também pode ser que, devido ao seu realismo elevado, as fotos não tenham eco da mesma maneira que conceitos semelhantes aplicados à pintura.

Dito isto, com o advento de ferramentas digitais que permitem aos fotógrafos um grau muito maior de controle e capacidade de refinar seu trabalho. Acho que estamos vendo um tipo diferente de retorno a alguns dos conceitos por trás da Photo-Secession. Torna-se menos uma questão de capturar o que está na frente da lente e mais uma questão de melhorar o que está na frente da lente ou até mesmo inventar algo que não existe, pois é exibido por meio de ferramentas fotográficas. Ainda parece ser um saco misto em termos de popularidade, mas parece ser uma tendência crescente.

Nota dos curadores:

A erudição desta peça pode não ter sido reconhecida. Ou pode.
O seguinte comentário sobre a questão parece inacessível para algumas mentes e, talvez, até para uma maioria substancial. Estes podem não ser os que você deseja, seguir em frente.
Caso contrário, como o primeiro dos "faz" es

• Agora, na era digital, com todos um fotógrafo e com habilidade técnica nivelado por modos automáticos soberba,
  faz a mensagem do movimento de ressonância pictoralist de novo? Ou, pelo contrário,
  faz a facilidade com que se transforma software fotografias em manipulada "arte digital"
  significa que a visão pura para a fotografia reta é mais importante para a fotografia como forma de arte separada?

é visto pelo entrevistado como uma verdade auto-evidente, se não uma tautologia definitiva, e como o segundo dos "faz-es" é semelhante a ele, mas o "meio que" é negado, ele tenta comentar de uma forma talvez maneira esclarecida, mas provavelmente obscura, sobre as motivações subjacentes que deram vida a essa catástrofe, enquanto descarta de imediato o pressuposto de que a mera excelência tecnológica é o motor por trás da decadência.

A referência obscura ao lema do Condado de Clackmannanshire (a saber, "Olhe para você") é mera afetação. O novo lema (de 2007 em diante) "Mais do que você pode imaginar" é visto por si só como uma indicação de que a podridão não se limita à desfiguração da forma fotográfica, mas se espalhou para slogans de condados e outras áreas de expressão até então sagradas. Tão ...

Pictorialism Wars - O Instagram contra-ataca!

Ainda estou tentando determinar o que:
modificações genéticas e / ou
cirurgia no cérebro
e / ou filtros e distordores mentais ou ópticos e
/ apps / modos / plugins / ...
Preciso comprar / adquirir / ajustar / instalar / instalar / carregar / baixar / patch / ...
para meus sistemas de wetware (ou qualquer outro sistema)

para me permitir ver o mundo e as imagens do instagram como os outros os veem, evidentemente,
para que eu também possa participar com abandono / alegria / prazer / satisfação no que até agora parece ser principalmente uma destruição distorcida e sem sentido, distorcida da boa e velha alimentação cerebral diária.

Photoshop para o resgate - ainda estou trabalhando nisso ...

Ansell Adams: Pode ter ido um pouco longe para o outro lado. Talvez tenha trapaceado um pouco com algumas medidas em um dia ruim. Talvez não.

Ré

Agora, na era digital, com todos os fotógrafos e habilidades técnicas niveladas por excelentes modos automáticos, a mensagem do movimento pictoralista ressoa novamente?

Manifestamente, sim. Olhe para você.
Mas acho que não, devido às razões que você lista. Ou, não como o fator predominante.

Suspeito que seja mais uma tendência pós-moderna, pós-moderna, da Gen XYZT, onde temos que gerar o que quer que seja, o que quer que seja, o que quer que seja, o que quer que seja, pós-o que quer que seja, para gratificação pós-instantânea, pós-viver-para-o-mundo dia, pós [Aviso: o suprimento de "-" s se esgotou] se gerar comida, postar a geração jovem ao que o mundo chegou, nos meus dias subindo a escola nos dois lados do fundo de uma caixa de papelão de lago sem sapatos , murmurar resmungar ...., importa.

No final das contas, arte de sucesso é algo que um número razoável de pessoas considera agradável, comovente e intrigante - insira seu adjetivo positivo aqui. Toda arte de sucesso cria uma emoção ou um sentimento em uma pessoa e faz com que ela queira ver ou experimentar a arte.

Por essa métrica, as imagens digitais (que ultrapassaram o limite de serem fotografias devido à manipulação excessiva) têm todo o direito e possibilidade de serem arte. Eles só precisam ter sucesso.

Pessoalmente, esse trabalho precisa ser incrível antes de ressoar particularmente comigo. Minha arte favorita é baseada na realidade. Uma bela paisagem de Tom Thomson sempre me falou mais alto do que qualquer coisa abstrata. Isso não quer dizer que arte abstrata não seja arte - absolutamente pode ser -, mas isso não ressoa particularmente comigo.

Por esse motivo, fotograficamente eu sempre estive no campo pictórico. Acontece que Ansel Adams é um dos fotógrafos que eu mais respeito. Acontece que ainda hoje, na era digital, filmo grande parte do meu trabalho no cinema, não porque o filme é necessariamente superior (é em algumas coisas, e não em algumas outras), mas porque o filme expressa minha visão fotográfica também. Eu tiro fotos digitais da mesma maneira - pretendo mostrar e interpretar a realidade. Posso usar a filtragem de cores em filmes em preto e branco e usar lentes de grande angular no meu trabalho digital, mas as cenas que gravo permanecem realistas. Você os reconheceria como reais - mas poderá obter uma nova perspectiva sobre a realidade deles, se eu conseguir alcançar minha visão. Se eu falhei, é porque manipulei minhas imagens a ponto de distrair.

Estou me restringindo? Acho que não. Escolho ignorar centenas de hobbies e diversões em potencial porque me concentro no que gosto e gosto. Além disso, a realidade é bastante interessante.

Estive lendo minhas edições anteriores de uma revista britânica de fotografia em preto e branco nas últimas semanas. As fotos mais comoventes que vi até agora foram um conjunto de fotos de uma floresta. Eu já vi muitas árvores - mas essas fotos eram lindas. Eles também foram realistas. O fotógrafo acertou em cheio sua visão nos meus olhos.

Eu estava cansado da precisão visual usual - e cedi à ideia de que estar em foco é tanto uma ilusão quanto minhas lentes corrigiam os olhos. Agora, pelo menos metade da minha vida é gasta olhando o mundo astigmaticamente - porque as imagens suaves me deixam desconfortável e pacífica ao mesmo tempo. Eu simplesmente não consigo me sentir assim com uma imagem coletada com detalhes precisos. Isso deixa menos para a minha imaginação e me dá menos "sentimento". Obviamente, essa é minha própria experiência e outras pessoas têm seus próprios métodos - mas pictorialismo, impressionismo - que ótima maneira de fazer a pergunta "Como isso me faz sentir" sem todo o outro ... contexto.